¡Felices Fiestas!

El glucógeno y los corredores: todo lo que tienes que saber

Aunque es una información para corredores, funciona exactamente igual para Bailarines!

Por eso, en esta nota intentaremos explicar y contarte todo lo que tienes que saber sobre el glucógeno y los corredores:

1 – Cuando comemos alimentos que contienen hidratos de carbono, la principal forma de almacenarlos es a través del glucógeno.

2 – El glucógeno, es almacenado en los músculos y en el hígado. La cantidad de glucógeno muscular es muy superior a la glucógeno hepático.

3 -A diferencia del glucógeno hepático, el glucógeno muscular sirve únicamente para uso local, es decir solo puede ser utilizado como combustible por el músculo donde se encuentra depositado.
Así, las reservas de glucógeno de los músculos que se encuentran inactivos no pueden ser transferidas a los músculos activos.

 4 – Un hígado promedio de 1.8 kilogramos, puede almacenar aproximadamente 88 gramos de glucógeno pudiendo llegar a 160 gramos como máximo, lo que significa aproximadamente entre 350/650 kcal respectivamente.

5 – En ejercicio de baja intensidad, la mayoría de la energía proviene de: a) los ácidos grasos libres en la sangre, b) un poco de glucosa en sangre y c) un poco de triglicéridos musculares.
A medida que la intensidad del ejercicio aumenta el aporte de ácidos grasos libres disminuye, la contribución de la glucosa en sangre aumenta (aunque no tan dramáticamente como la contribución de glucógeno muscular). A mayor intensidad, el glucógeno muscular es la principal fuente de energía.

6 – Las reservas de glucógeno muscular y hepático, son muy inferiores a la grasa, la otra principal fuente de combustible.

7 – Utilizar el glucógeno como energía requiere menos oxígeno que la grasa, por lo que podría decirse que es mas eficiente.

8 – El entrenamiento aumenta la capacidad de los músculos de almacenar glucógeno.

9 – La totalidad de energía proveniente de los hidratos de carbono (glucógeno) de los músculos, el hígado y la glucosa en sangre, no resultan suficientes para que puedas terminar un maratón (42.195 km).

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Alejandro Montiel
Sensación Runner
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Contacto Noble

Serie de Ensayos Coreograficos

Contacto Noble

Coreografía: Elio Montiel

Interpretes: CDC Danzart

Nominación al Concejo Internacional de la Danza (CID UNESCO)

Correo electrónico de Concejo Internacional de la Danza

Intervención de los espacios de la FILVEN Capítulo Vargas 2

Intervención de Espacios de la Filven Capítulo Vargas

Intervención de los Espacios de la FILVEN Capítulo Vargas

FILVEN
Viernes 18-07-2014
Intervención Coreográfica
Coreografías:  Cantata y Me puedo ir
Coreografía: Elio Montiel
Interpretes CDC Danzart: Ingrid Colina, Elio Montiel, Reinaldo Gutiérrez, Yorgenis Ramiréz
Interpretes CJDC Danzart: Angélica Delgado, Jhodrian Alejandro Macías

Clase de centro CDC Danzart

Durante la explicación de un Montaje

CDC Danzart de Cumpleaños!

CDC Danzart a Festival Montpellier Danse 2015

Mensaje del Día Internacional de la Danza 2014 Mourad Merzouki

Mourad Merzouki Coreografo

"Cada artista tiene el orgullo de su arte.

Cada artista defenderá siempre el arte cuyo contacto le ha estremecido. Por lo que ha buscado y perdido es por lo que tiene el intenso deseo de compartir. 

Es el eco de una voz, la escritura encontrada, la interpretación de un texto que ofrece a la humanidad, la música sin la cual el universo deja de hablarnos, el movimiento que abre las puertas a la gracia. Yo tengo por la danza el orgullo del bailarín y del coreógrafo, pero también un profundo agradecimiento. Ha sido mi oportunidad. Se ha convertido en mi ética por la nobleza de su disciplina. Ella es por lo que cada día descubro el mundo.

 Profunda dentro de mí como ninguna otra, me anima cada día con la energía y la generosidad que le son propias. Su poesía me tranquiliza. Puedo decir que yo existiría sin la danza?. Sin la capacidad para expresarme que me dio?. Sin la confianza que he encontrado para superar los temores, escaparme de los malos caminos.
 
Sumergido gracias a ella en la belleza y en la complejidad del mundo, me hice ciudadano, ciudadano singular reinventando los códigos en el transcurso de los encuentros, fiel a los valores de la cultura hip hop que transforma la energía negativa en fuerza positiva. 

La danza es a diario una cuestión de dignidad. Pero yo vivo esta dignidad preocupado. Constato la pérdida de puntos de referencia, la incapacidad para imaginar su futuro por parte de los jóvenes procedentes de barrios pobres que crecieron en la frustación y la tensión. Soy uno de ellos, todos somos ellos. estoy animado, quizás más que otros, a dar ejemplo, para ayudarles a enfrentarse a la vida.

¿La sociedad no se hace más rica con la riqueza de cada uno de nosotros? La Cultura más que otro discurso, une. Ten valor, asume riesgos, a pesar de los obstáculos y el odio a los que sin duda te enfrentarás, la belleza del mundo siempre estará a tu lado. Como la danza lo ha sido para mí. Con su fuerza singular que hace desaparecer las distinciones sociales, las ligadas a nuestros orígenes, dejando el movimiento de los cuerpos en su más simple humanidad,  seres humanos vueltos a su expresión más simple, singular y común. Finalizo citando las palabras de René Char, que me recuerdan cada día que no debemos dejar que nadie nos encierre en un rol ya escrito.

 “Impone tu suerte, encierra tu felicidad y ve hacia tu riesgo. Al mirarte, se acostumbrarán".

¡ Inténtalo, equivócate y comienza de nuevo, pero sobre todo baila, jamás dejes de bailar!". 

   Mourad Merzouki 

Traducido por Dolores Mayán

Convenio Danzart-UPTM

En un esfuerzo de consolidar la enseñanza de la danza en el Estado Vargas, La Compañía de Danza Contemporánea Danzart (CDC Danzart), junto a sus instituciones de extensión CJDC Danzart y EDC Danzart han iniciado la apertura del Proyecto de Formación: "Licenciatura de Docencia Alternativa de la Danza" en convenio con la Universidad Politécnica Territorial de Merida. 

Este nuevo esfuerzo por la Danza de Vargas, estará tutoriado por el Director General y Artístico de Danzart, el Maestro Elio Montiel, quien durante años ha mantenido sus ideas sobre la importancia de la formalización de la enseñanza de la danza contemporanea de la región Varguense.

El proyecto formativo se encuentra en proceso de aceptación por parte la Universidad Politécnica Territorial de Merida (UPTM) a traves de su Programa de Estudios abiertos, el cual se basa en una modalidad de estudios concebida bajo la metodología de proyectos que se adelantan a través de comunidades de aprendizaje bajo la asesoría de tutores-investigadores de reconocida trayectoria académica en el área de estudio. Los estudios abiertos pueden responder bien a necesidades de formación de personal en servicio de instituciones públicas o centros de desarrollo endógeno o de comunidades organizadas en barrios populares o zonas rurales previstos como estrategia de municipalización de la educación universitaria.

El Programa de Estudios abiertos fue autorizado para la UPTM en Gaceta Oficial Nº 40.366 con lo cual se consolida esta metodología para el fortalecimiento de la educación universitaria, partiendo desde la formación integral, la creación intelectual y la vinculación socio comunitaria de los y las estudiantes.
Este extraordinario enlace de aprendizajes forma parte de las actividades "Danzart por la Paz" hacia sus cuarenta años de existencia en el acontecer regional de la Danza de Vargas, Venezuela y el mundo 

29 de Abril Día Internacional de la Danza

Mensaje del Día Internacional de la Danza 2014
El Credo de un Bailarin

27 de Marzo Día Internacional del Teatro

 Felicidades Teatrero, Titiritero, Maestro del sueño, Buscador de secretos y Eternizador del tiempo. Felicidades en tu día!!!!!
Feliz día del Teatro a todos mis amigos que comparten sus sueños con los mios!

EDC Danzart: Docentes

EDC Danzart: Docentes: Maestro Elio Montiel Fotografía Henry Moncrieff Maestro Fundador de CDC Danzart Docente Técnica Danzart Ingrid Col...

¿Donde Estan?

¿Donde estan...?

CDC Danzart

Coreografía: Francisco Carballo (Paraguay)

Musica: Canción ¿Donde estan? de Alberto Rodas

(1995)

Sonata

Un nuevo comienzo

El 17 de Junio de 2013 CDC Danzat arribó a sus treinta años de labor dancistica planteándose nuevos derroteros en el ámbito de la Danza; traducidos en nuevos proyectos coreográficos, proyección de su técnica y estilo, captación de nuevos talentos para la danza y  la reapertura de EDC Danzart como el brazo formativo de la Compañía y el nacimiento de la Compañía Juvenil de Danza Contemporánea Danzart como eje de consolidación técnica y artística del estilo Danzart.

No queremos olvidar a todos aquellos que durante estos treinta años hicieron posible la vida de este proyecto e invitarlos a que continuen a nuestro lado y caminar juntos hacia los "40 años de CDC Danzart" en 2023.

Danzart en el Alberto de Paz y Mateos

Sonata
Coreografía: Elio Montiel
Musica: Sonata para Piano y Cello nº 2 - Maskiosvky

Elio Montiel y Ondina León

Ingrid Colina y Ondina León

Elio Montiel y Ondina León

Ingrid Colina, Ondina León y Elio Montiel

Reinaldo Gutierrez, Ondina León, Ingrid Colina y Elio Montiel

Elio Montiel y Ondina León

Reinaldo Gutiérrez y Ondina León

¿Qué significa políticamente para nosotros la danza contemporánea?

Publicado en CDC Danzart lunes, 4 de noviembre de 2013

 Recomendado

Por Haydé Lachino* 

Busco menos hablar de coreógrafos en específico que den cuenta, a través de sus obras, del estado de la danza contemporánea en nuestro país y más abordar una reflexión sobre algunos fenómenos estéticos que reporta este arte y cuáles con los supuestos teóricos que dan fundamento a su hacer.

Hablar de danza contemporánea conlleva a la necesaria reflexión de dos conceptos implicados en dicha noción, por una parte nos refiere a una praxis y por otra a que esta práctica se realiza en una espacialidad y temporalidad específicas. En tanto que praxis, la forma de la danza está condicionada por los medios a disposición de los artistas, ello significa en un nivel primario que no existe una forma única del hacer debido a que los medios no necesariamente son los mismos para los diversos artistas y en un sentido más problemático que los medios y tecnologías disponibles son producto de las condiciones sociales, políticas y culturales, en las cuales dicha praxis se lleva a cabo.

En tanto que un hacer dentro de una espacialidad y temporalidad específicas, lo contemporáneo es todo aquello que ocurre en un tiempo presente, entendido éste no como un punto fijo, sino como una dimensión de muchos entrecruzamientos de tiempo y espacio y que nos obliga a reconocer la existencia de muchas “danzas contemporáneas”, tanto de aquellas que son una síntesis histórica de lo que el trayecto de la danza ha sido en el contexto de una cultura, como de las que se erigen como respuesta a esas formas anteriores de danza y frente a las cuales establecen sus postulados estéticos. Sobre éstas últimas habré de reflexionar, por reportar un campo fecundo para el análisis y por las nuevas condiciones de posibilidades que proponen para la danza y la coreografía en tanto que práctica artística.

El problema de nuestra contemporaneidad es su desfase temporal con la contemporaneidad europea y anglosajona. En el contexto de un país en vías de desarrollo, nuestra danza está condenada a llegar a destiempo, siempre tarde, a las propuestas que se erigen en los países del primer mundo: tal destiempo justifica el carácter colonialista del mercado de la danza; si llegamos tarde a esa temporalidad que se nos impone, estamos condenados a sólo repetir lo que otros ya pensaron, pues el destiempo justifica la desigualdad y el asumir pasivamente de manera acrítica lo que se ha establecido como norma para el arte coreográfico. Hablar de la danza contemporánea lleva implícita una postura política a favor de la descolonización, ya que la Modernidad estableció discursos homogeneizantes para la práctica artística y se apoderó de espacialidades ya habitadas por otros individuos con otras maneras de dialogar con el contexto, en donde existían ya otras formas de comprender el espacio, el tiempo y el cuerpo.

 Una parte importante de la crítica especializada, del público e incluso de los profesionales de la danza, muestran un profundo desconcierto ante propuestas escénicas que cuestionan y van a contracorriente de la idea normalizada que asume que la danza es un arte caracterizado por la lógica, natural y armónica sucesión de pasos, realizados por un cuerpo modelado por técnicas de danza, en donde alguien (el autor) tiene algo fundamental qué decir a otro (el espectador); ante estas miradas desconcertadas, de manera más frecuente en la escena mexicana, son colocados postulados coreográficos centrados en la inmovilidad, en la gestualidad, en lógicas narrativas no causales y en la visibilización de cuerpos totalmente alejados del ideal corporal del bailarín. Estas propuestas coreográficas están transformando profundamente el entendimiento que hasta ahora teníamos sobre la danza, para descubrirnos nuevos horizontes de comprensión de este arte.

Por lo menos en México, se tiende a pensar la danza sólo desde la perspectiva del espectáculo y difícilmente se reflexiona sobre ella desde la estética. Como bien afirma Lepecki en su libro Agotar la danza, la intolerancia hacia las formas emergentes de danza “reflejan una incapacidad generalizada, o incluso la falta de voluntad, para explicar críticamente las prácticas coreográficas recientes como experimentos artísticos válidos”.[1] Para estos críticos, espectadores y creadores, el mundo no ha cambiado significativamente, anclados en ideas de la danza heredadas desde el Renacimiento; hoy demandan que la danza siga una inercia estética, sin visualizar las implicaciones políticas que ello ha tenido para países como el nuestro.

Esa danza tan añorada es producto de un contexto histórico y se instituyó con base en ideas de cuerpo, de espacio y de tiempo insertas en todo el aparato teórico de la Modernidad: un cuerpo máquina, un espacio con un centro focal, un tiempo lineal y causal y un espacio teatral en donde los discursos se dan de manera unidireccional, que privilegia, como frente a un cuadro, un punto de vista único.

La gradual irrupción de una nueva forma de pensar el mundo, motivada por una profunda crítica a los postulados de la Modernidad, trajo consigo una revisión de lo que durante más de 300 años se instituyó como la “esencia” de la danza en tanto que práctica artística. No existe nada de natural, lógico y esencial a la danza: toda idea de danza es una idea cultural. Pensar así la práctica de la danza nos revela el carácter arbitrario de cada uno de los elementos que la conforman, elementos que la costumbre normalizó y que hoy diversos coreógrafos problematizan: una nueva relación con el movimiento y el tiempo a través de la inmovilidad en las obras de Benito González; lo presente y lo ausente en el espacio en Magdalena Brezzo; el cuerpo como objeto estético en Magdalena Leite; la gestualidad como escritura y la ruptura con lo causal en Adriana Castaños; nuevos entendimientos espaciales y temporales mediante el uso de dispositivos electrónicos en Esthel Vogrig y Ernesto Contreras; sólo por mencionar algunos de los coreógrafos mexicanos que están investigando nuevas condiciones de posibilidad para la danza en nuestro país.

La danza, como toda la práctica artística, está rompiendo con los artificiales límites disciplinares que fueron impuestos por el pensamiento moderno, para generar entrecruzamientos estéticos que hacen difícil comprender las obras que surgen de este cruce disciplinar si no se cuenta con los elementos teóricos provenientes de otras artes, de la filosofía y de la ciencia. No se trata, en esta nueva praxis, sólo del concurso de diversos especialistas para llevar a buen término una puesta en escena, sino de cómo los artistas retoman pensamientos y teorías provenientes de otros campos, así tenemos obras que hacen del acto de dibujar un acto del danzar o del fuera de campo cinematográfico un detonador para indagar otras posibilidades narrativas. Cruzamiento disciplinar en donde la danza toma soluciones formales de la arquitectura, la semiótica, la plástica, etc., para ampliar sus límites.

 La danza contemporánea no es experimental por los temas anecdóticos que aborda, sino por cuestionar todos los supuesto estéticos de la danza, por establecer un riguroso y metódico ejercicio de investigación sobre las ideas del cuerpo, usos del espacio, ideas de representación, relación con los espectadores, es decir, por cuestionar una serie de nociones tan apreciadas por la danza moderna, a saber, causalidad, linealidad, expectativa, memoria, movimiento y representación.

La danza, en la medida que no es espectáculo y sí una propuesta estética, dialoga con el pensamiento filosófico contemporáneo, por lo que tampoco es posible comprender la escena contemporánea fuera de las tesis filosóficas sobre el tiempo, el espacio, el cuerpo y la aguda crítica a la Modernidad de autores como Deleuze, Guattari, Foucault, LeBreton, Lacan y Heidegger, porque la danza, tal y como hasta ahora la conocíamos, es el resultado de una manera de entender el mundo. No se puede olvidar que el arte, como campo disciplinar autónomo, es parte del proyecto ilustrado de la Modernidad. Proyecto para el cual había que desterrar todo vestigio animal del cuerpo, todo antecedente no tecnológico de la carne, de ahí que la coreografía se instituyera como “una invención de la primera modernidad, como una tecnología que crea un cuerpo disciplinado que se mueve a las órdenes de la escritura”.[2]

La historia de la danza es una historia de contenidos colonialistas. Por tratarse de un arte que toma forma en y a través del cuerpo, no es posible hablar de la danza contemporánea sin hacer referencia a discursos políticos; siguiendo a Foucault, el cuerpo es el lugar en donde el poder, la disciplina, el sometimiento militar y el racismo toman forma. En nuestras escuelas de danza no sólo se sigue practicando la antropometría que pretende determinar si un cuerpo es apto o no para bailar, en la medida en que éste se encuentra más o menos cercano a un ideal corporal de bailarín, ideal profundamente eurocentrista; además de ello la formación del bailarín se basa en la idea de la disciplina entendida como sometimiento. Las técnicas de danza no sólo le indican al bailarín lo que se espera de él en tanto que cuerpo formado como instrumento al servicio de un autor, también le indican su lugar social, por ello no puede sorprendernos el nulo reconocimiento social a los bailarines, ni las cuestionables condiciones laborales que caracterizan su hacer.

Las nuevas visiones coreográficas ponen al descubierto que más allá de las técnicas normalizadas bajo las cuales se entrena un bailarín, existen muchas otras técnicas que dan forma cultural al cuerpo. Son propuestas coreográficas para las cuales ya no se busca un cuerpo construido para una práctica artística, sino de mirar con interés estético al cuerpo a través del pensamiento coreográfico.

El asunto no es ya de lo que para un cuerpo es posible hacer, sino de hasta dónde es posible llevar una postura estética. Ya no se trata de un cuerpo ideal de bailarín atado a la lógica de un movimiento, sino del acontecer de un cuerpo en movimiento bajo una partitura coreográfica, aquí puede ser cualquier cuerpo, incluso de aquellos no formados por la academia. Se busca demostrar que las técnicas de danza no pueden contener toda la realidad de la danza. Como afirma Lepecki: “La palabra clave es ‘experimentación’, como condición fundamental para alcanzar ‘otras posibilidades contemporáneas’ que revelen el cuerpo como ‘organismo, historia y sujeto de enunciación’.[3]

La danza moderna espectacularizó la individualidad del bailarín y del coreógrafo como exaltación del cuerpo-máquina perfecto y del sujeto burgués diferenciado de la masa anónima, esto es, una subjetividad aislada de su contexto. Hoy una nueva visión del sujeto sobre la escena emerge, se destierra todo tipo de espectáculo alrededor del cuerpo que baila, para hacer visible los contenidos ideológicos y culturales que cruzan en todo acto representacional y las capas culturales que conforman nuestra corporalidad.

La danza moderna centró su apuesta estética en el movimiento, en una indagación de las posibilidades cinéticas del cuerpo, debido a que para la Modernidad el movimiento y la velocidad serán sus características fundamentales. El acontecer de la danza no es un asunto sólo de cuerpos que se mueven, la danza es una partitura coreográfica en donde incluso la inmovilidad se nos presenta como alternativa. La coreografía aparece cuando se formalizan las relaciones entre espacio, tiempo, cuerpo y movimiento, de ello no se infiere que sólo ciertos cuerpos o movimientos sean los propios de la danza, menos aún supone que lo coreográfico sea sólo danza. El movimiento lento o incluso la inmovilidad aparecen como estrategias coreográficas para indagar en la presencia corporal sometida a otras condiciones de representación y permiten construir otras posibilidades narrativas en donde un instante es dilatado en el tiempo para poder indagar en toda la realidad contenida en dicho fragmento de tiempo.

Las investigaciones contemporáneas sobre los elementos que conforman la obra coreográfica, a final de cuentas son una vía para cuestionar las ideas de representación normalizadas por la Modernidad.

No se trata simplemente de indagar en otras maneras de relacionar lo escénico con el espectador, se trata de cuestionar cómo nos vemos a nosotros mismos como proyecto histórico a través de una práctica artística.

La Modernidad creó para la representación, para la danza y la coreografía un estrecho universo de posibilidades que, hoy en día, las investigaciones contemporáneas buscan romper para ir a las búsqueda de esas otras alternativas que quedaron fuera del conjunto de lo realizable para la coreografía desde la fundación de la primer Academia de Danza en el siglo XVII; ese universo de posibilidades que van a contracorriente de lo normalizado parecen desdibujar y romper con nuestras nociones tradicionales de danza, es común escuchar voces airadas que enuncian: “eso no es danza” al confrontar sus visiones con propuestas que nada tienen que ver con lo lineal, lo causal, la velocidad, la unidireccionalidad del discurso, entre otras características. Para estas voces, la inmovilidad en la danza o la presencia de cuerpos no entrenados en las técnicas normalizadas son un agravio al arte dancístico.

Si no cuestionamos los supuestos que la Modernidad estableció como válidos para la danza y la coreografía, los cuales están cargados de fuertes contenidos ideológicos por implicar una visión antropocentrista, europea, colonialista y racista ¿cómo entonces seremos capaces de indagar en lo que la danza hecha desde nuestros países potencialmente puede ser? Es a través de este cuestionamiento que aparece una pregunta como válida ¿qué significa políticamente para nosotros la danza contemporánea?

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NOTAS:

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[1] Lepecki, André, Agotar la danza. Performance y política del movimiento, Centro Coreográfico Calego/Mercat de les Flors, Universidad de Alcalá, España, 2009, p. 15.

[2] Lepecki, Andre, op. cit., p. 22.

[3] Idem. p. 78.

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*Crítica de danza, productora, coreógrafa y videoartista. Realizadora de diversos documentales, cortometrajes y piezas de videoarte. Productora ejecutiva de espectáculos multimedia de danza y teatro. Ha trabajado como columnista y crítica en prestigiados periódicos de México, así como en revistas y publicaciones de arte.

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